Mi chiamo Duncan Bonnifay e sono un regista e direttore della fotografia francese, che lavora principalmente su video commerciali e contenuti dietro le quinte per filmmaker. Le macchine da presa di Sony fanno parte del mio percorso fin da sempre, quindi, quando sono stato contattato per realizzare il video di lancio della nuova FX5 di Sony, mi è sembrato un sogno. All’inizio pensavo che avrei avuto circa tre mesi per preparare il tutto. Poi, in meno di un mese, ho dovuto scrivere, pianificare, girare e montare il video beauty, nonché creare i contenuti BTS, il materiale sulle funzionalità e le foto. È stato intenso, ma quella pressione ha anche spinto il progetto in un luogo creativo molto eccitante.

Sony mi ha dato molta libertà. Non volevo realizzare un classico video di prodotto né tantomeno mostrare la macchina da presa come fosse un oggetto qualsiasi. Volevo creare qualcosa di cinematografico, emozionale e completo, quasi come un filmato commerciale, ma senza dipendere da un marchio o da un prodotto esistente. Il punto di partenza è stato lo slogan “Lighting the Way Forward”, illuminare la strada da seguire. Essendo direttore della fotografia, per me la luce è tutto: dà forma alle immagini, rivela le emozioni e attribuisce un significato preciso a un fotogramma. Ma a quel punto della mia vita, la luce aveva acquisito anche un significato più personale. Pochi mesi prima del progetto, era mancata mia nonna. Quell’esperienza ha cambiato il modo in cui intendevo la luce. È diventato qualcosa di più tranquillo, qualcosa di invisibile ma ancora presente, qualcosa che può guidarti quando ti senti perso. Così, il video è diventato la storia di una pittrice che aveva perso la sua creatività e che aveva iniziato a viaggiare in mondi ed elementi diversi fino a trovare la strada per tornare alla creazione.

Perché hai scelto un approccio così poetico invece di qualcosa di più realistico?Volevo che il video lavorasse su due livelli. Il primo, quello superficiale, parla di un’artista che cerca di ritrovare la sua creatività. Il secondo, ossia quello più profondo, è anche una sorta di sottile tributo alla memoria, all’assenza e al modo in cui l’arte può aiutarci a superare il dolore senza spiegare tutto troppo direttamente. Una storia realistica avrebbe reso il messaggio troppo ovvio. Volevo qualcosa di più universale, in cui gli spettatori potessero portare i propri sentimenti e le proprie interpretazioni. La pittrice, la tela bianca, la luce, la foresta, le dune e l’oceano sono diventati tutti delle metafore. Mi hanno permesso di parlare di creatività e perdita senza dire troppo. In che modo sapere di avere a disposizione un nuovo sensore e il formato RAW interno ha influenzato la sceneggiatura?Non ho scritto il video in base alle specifiche tecniche, ma conoscere le potenzialità di FX5 mi ha dato molta fiducia. Sapevo che avrei potuto girare a mano libera, lavorare in Open Gate, usare obiettivi anamorfici, ricorrere allo slow motion e registrare nel formato RAW interno X-OCN senza dover costruire un rig pesante. Quella libertà ha influenzato la struttura del video. Mi sono concesso la libertà di spaziare tra ambienti molto diversi: foresta, deserto, paesaggi vulcanici, oceano, pioggia e gli interni di una dimora storica. Ho anche pianificato più movimenti di quanto avrei fatto normalmente con un programma così serrato. Nella foresta di Anaga, ad esempio, Marjorie corre tra gli alberi mentre io la seguo con la FX5 ridotta all’essenziale su uno stabilizzatore DJI RS 4 Pro. La lettura più veloce mi ha dato sicurezza anche per le riprese a mano libera e con carrellata, perché non dovevo preoccuparmi costantemente del rolling shutter.

Come hai fatto a mantenere un aspetto così coerente nonostante la diversità dei luoghi?Non volevo che tutti i luoghi sembrassero uguali. La foresta, le dune, le rocce vulcaniche, la pioggia e la dimora avevano tutte bisogno di una propria identità. Il filmato parla dell’esplorazione di mondi emotivi, quindi queste differenze erano essenziali. Ciò che volevo unificare era il linguaggio generale delle immagini: il contrasto, la densità, le tonalità della pelle e il modo in cui la luce interagisce con il personaggio. Il workflow X-OCN mi ha aiutato molto per via dell’elevata flessibilità nel color grading che mi permesso di dar forma a ciascun mondo mantenendo la stessa base cinematografica. Sulle isole, abbiamo modellato la luce naturale principalmente con riflettori e specchi. Nella dimora, tutto era molto più controllato, con sorgenti luminose posizionate all’esterno delle finestre, ma ho comunque cercato di mantenere la morbidezza e il contrasto in linea con le scene girate all’aperto.

In quale modo il nuovo display e il mirino elettronico ti hanno aiutato sul set?Lo schermo da 3,5 pollici in 16:9 ha reso la FX5 molto più pratica. Eravamo in continuo movimento: escursioni, corse sulla sabbia, arrampicate sulle rocce, riprese sotto la pioggia e viaggi tra le isole. In quelle condizioni, ogni accessorio conta. Quando ho girato in anamorfico, specialmente in Open Gate, avere il supporto adeguato per il monitoraggio e il desqueeze direttamente nella macchina da presa ha fatto una grande differenza. Ho potuto inquadrare con precisione senza dover montare ogni volta un sistema di monitoraggio esterno più grande. Quando sono passato agli obiettivi G Master di Sony per scatti più pratici, lo schermo mi ha anche restituito un’immagine pulita senza sovraccaricare il corpo. Il mirino elettronico staccabile è diventato uno degli strumenti più utili delle riprese. A Gran Canaria, soprattutto tra le dune, la luce era estremamente brillante. La sabbia rifletteva ogni cosa e il mio monitor esterno non poteva competere con il sole. Con il mirino elettronico, ho potuto isolarmi dall’ambiente e valutare correttamente l’inquadratura, l’esposizione e la messa a fuoco. Avere a disposizione strumenti per falsi colori ed esposizione in macchina era essenziale in quelle condizioni.In che modo il menu ispirato alla linea CineAlta ha influenzato il tuo flusso di lavoro?Essendo abituato alla FX3, all’inizio, il menu della FX5 sembrava diverso. C’è stata una curva d’apprendimento, soprattutto perché stavo scoprendo la macchina da presa sotto la pressione di una vera produzione. Ma una volta capita la logica, la gerarchia pensata per il cinema ha iniziato ad avere senso. La macchina da presa dava proprio l’impressione di essere stata concepita per la produzione: strumenti di esposizione, monitoraggio, impostazioni RAW, frequenze fotogrammi e opzioni professionali facevano tutti parte di un flusso di lavoro naturale. Dal momento che non avevo un primo assistente operatore dedicato, questo aspetto è stato molto importante. Dovevo gestire la macchina, regolare l’esposizione, inquadrare, controllare la messa a fuoco e prendere decisioni rapide da solo. Ad esempio, a Las Grietas, sono passato dall’Open Gate al 16:9 per utilizzare la stabilizzazione nelle carrellate a mano libera senza riconfigurare la macchina da presa. Nella sequenza della pioggia, ho fatto molto affidamento sui falsi colori perché non stavo usando un monitor esterno. Avere quegli strumenti all’interno del corpo macchina mi ha fatto risparmiare tempo e mi ha aiutato a rimanere concentrato sull’immagine.

Perché hai scelto il formato X-OCN C1?Ho girato in X-OCN C1 perché mi offriva il giusto equilibrio tra qualità, flessibilità e dimensioni realistiche dei file. Questo progetto è stato creato principalmente per YouTube, i social media, le versioni verticali, il marketing online e una proiezione in anteprima al teatro Grand Rex. Avevo bisogno della flessibilità del formato RAW per il color grading e le regolazioni dell’esposizione, ma dovevo anche ricordarmi dello spazio di archiviazione, dei backup e delle prestazioni in fase di editing. Quando giri per quasi due settimane su più isole, con riprese in slow motion e più formati di consegna, i dati diventano parte del flusso di lavoro creativo. L’X-OCN C1 mi ha dato la flessibilità di cui avevo bisogno senza generare file inutilmente ingombranti. Per questo tipo di versione, la differenza visiva è molto difficile da notare, ma in termini di tempo di backup e spazio su disco, fa un’enorme differenza. Qual è stata la tua reazione quando hai svolto il color grading del filmato?In qualità di colorista di me stesso, correggere il filmato X-OCN è stato un vero piacere. I contesti erano molto diversi: orizzonti desertici luminosi, foreste profonde, rocce vulcaniche nere, acqua verde, pioggia, scarsa illuminazione e interni controllati. La latitudine e la flessibilità RAW mi hanno dato spazio per modellare ogni ambiente senza che l’immagine si deteriorasse. L’obiettivo non era quello di rendere tutto uguale, ma di far appartenere tutto allo stesso filmato. Ho potuto recuperare le alte luci, controllare le ombre e lavorare sulle tonalità della pelle in totale sicurezza. A Lanzarote, abbiamo realizzato un’inquadratura in quasi totale oscurità utilizzando solo una lampada frontale, un riflettore e un po’ di atmosfera. Grazie alle prestazioni della macchina in condizioni di scarsa illuminazione e alla flessibilità RAW, l’immagine finale è sembrata molto più importante rispetto alla configurazione effettiva.

E se dovessi paragonare la FX5 con la FX3? Mi piace molto la FX3. È una parte enorme del mio lavoro perché è piccola, affidabile e facile da portarsi dietro. Per contro, la FX5 dà più la sensazione di essere un vero passo avanti verso una macchina da presa compatta di livello cinematografico. L’immagine è più forte, gli strumenti di monitoraggio sono più potenti e il formato X-OCN RAW interno cambia il tuo modo di lavorare. Quando lavoro con la FX3, spesso la modifico in base alle mie esigenze. Con la FX5, molti di questi strumenti cinematografici sono già contenuti nel corpo. Si percepisce meno come una mirrorless che cerca di diventare una macchina da presa cinematografica e più come una vera macchina da presa compatta fin dall’inizio. Quali configurazioni di obiettivi hai usato?Ho ridotto al minimo il pacchetto di obiettivi perché viaggiavamo e facevamo molte escursioni. Per il lavoro cinematografico principale, ho usato i DZO Arles, principalmente il 35mm e il 50mm, con il 18mm per una ripresa dall’alto nella dimora. Ho usato anche i Simera-C Thypoch per una resa più leggera e organica. Per il lavoro anamorfico, ho optato per gli obiettivi DZO Arcana, soprattutto nella foresta di Anaga. Per la sequenza della pioggia, sono passato all’FE 24-70mm f/2.8 GM II di Sony perché avevo bisogno di AF, protezione dagli agenti atmosferici e velocità.

Cosa speri che provino gli spettatori dopo aver visto il film?Spero che provino un’emozione prima ancora di pensare alla macchina da presa. Naturalmente, il video è stato realizzato per mostrare le capacità della FX5, ma non volevo che la tecnologia fosse la protagonista. Volevo che, prima di tutto, arrivassero la luce, l’immagine e le emozioni. Il mio consiglio ai filmmaker è di considerare la FX5 come un vero e proprio strumento cinematografico in un corpo compatto. Non devi usare tutte le funzionalità solo perché esistono. Usa Open Gate, X-OCN, EVF, slow motion e AF quando servono alla storia. Per me, il punto di forza della FX5 è che ti offre possibilità cinematografiche di fascia alta, consentendoti al contempo di rimanere mobile, veloce e intenzionale. Non ti aiuta solo a catturare un’immagine. Ti aiuta a progettarne una.