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keyboard driver VGN-CR29XN/B Win7 32bit

noreplyforum@eu.sony.com — Thu, 13 Jun 2013 13:38:37 GMT

Qualcuno puo' aiutarmi nel fornirmi i driver per la tastiera del VGN-CR29XN/B con Win7 a 32 bit?

grazie.

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 10:17:22 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 10:02:49 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 10:01:40 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 10:00:51 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 09:48:00 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 09:46:57 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Wed, 17 Apr 2013 09:44:37 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 15:29:43 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 11:53:42 GMT

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 11:44:59 GMT

Pioggia di stelle…

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:55:39 GMT

Proseguiamo la nostra passeggiata nella notte.

Un’altra tecnica di sicuro fascino è quella di “registrare”, fotograficamente parlando, il movimento delle stelle creato dalla rotazione terrestre durante uno scatto che dura diversi minuti.

Per un’impresa del genere, occorre:

una fotocamera che abbia la posa bulb. Cioè lo scatto aperto fintanto che il pulsante risulta premuto. Tutte le DSLR e le nuove mirrorless posseggono una tale tempo di posa.
treppiede e telecomando. Sinceriamoci che il telecomando gestisca la posa bulb. Alcuni telecomandi a raggi infrarossi non la consentono. Mentre quelli a cavo, sempre.
un grandangolo fisso o zoom medio, tipo 24-70, 18-55, ecc.
batteria ben carica, e una di scorta. La posa bulb consuma decisamente.

Scegliamo accuratamente una notte senza luna in un luogo, inutile ricordarlo, esente da inquinamento luminoso.

Teniamo gli ISO bassi, 100-200, per garantirci un basso rumore. Un diaframma tra f/4.0 e f/8.0. Preferibilmente scattiamo in raw e attiviamo nel menu la funzione “riduzione rumore lunga esposizione” (NR lunga esposizione).

Montata la macchina sul treppiede e puntata verso il cielo, mettiamo a fuoco l’obbiettivo (possibilmente un grandangolo) manualmente su infinito. L’autofocus non sarà in grado di operare in queste scarse condizioni di luce.

Colleghiamo il telecomando e controlliamo l’ora sull’orologio. Per memorizzare il cammino delle stelle nel cielo servono, almeno, 45 minuti.

Siamo tecnicamente pronti. A questo punto, permettetemi una divagazione creativa. Come nella precedente tip, l’immagine risulterà tanto più interessante, quanto più un elemento terreno farà da cornice al cielo stellato. Specialmente con le stelle in movimento.

Indi la silhouette di una cresta di montagne e/o colline, di una foresta (di conifere possibilmente), rigorosamente bui. Oppure case, templi, colonne, monumenti, ecc..

In quest’ultimo caso, l’immagine diventa più interessante se li illuminiamo brevemente mentre riprendiamo le stelle. Mischiando luce stellare naturale a luce artificiale sui soggetti in primo piano.

Procuriamoci una di quelle torce ricaricabili che vendono nei grandi magazzini. Potenza minima: un milione di candele. Non scegliamo la più economica in assoluto…non lesiniamo sulla qualità. Il fascio di luce deve essere potente e duraturo.

Sistemata la fotocamera come sopra descritto, facciamo partire lo scatto prolungato e illuminiamo il soggetto in primo piano. Se più di uno, vista la quantità di minuti a disposizione, ci muoveremo lungo i margini dell’inquadratura con tranquillità, illuminando un soggetto per volta. Spegnendo la torcia nello spostarsi da uno all’altro.

L’illuminazione artificiale non andrà a compromettere la volta stellata fintanto che non dirigeremo, per errore il fascio luminoso verso la fotocamera.

45/60 minuti dopo (luminosità del cielo permettendo), il gioco è fatto. Se puntiamo l’obiettivo verso la Stella Polare o la Croce del sud, la pioggia di stelle risulterà circolare.

Per concludere, ricordiamoci che con la funzione “riduzione rumore lunga esposizione” attiva, il processo di elaborazione/memorizzazione dello scatto effettuato durerà circa quanto il tempo di ripresa. Se lo scatto dura 45 minuti, il tempo totale sarà di un’ora e 30 minuti per una sola immagine realizzata.

Sarà una stupenda notte…ma in bianco!

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

Seconda stella a destra…

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:51:38 GMT

Scusate il ritardo, ma l’estate è un momento di intenso lavoro. Sempre in viaggio, con tonnellate di immagini da realizzare. Storie da scrivere e progettare. La continua presenza sul “campo”, mi ha anche stimolato nuove tip da proporvi. Così da ampliare il Vostro raggio d’azione fotografico.

Entriamo nella stagione giusta per ammirare il cielo e realizzare immagini stellari. Non astrofotografia pura, attenzione, ma immagini di ambienti notturni dove il cielo stellato fa da prezioso contorno. E viceversa. Per far ciò, basta avere una DSLR anche base, una mirrorless e, in qualche caso, anche una compatta. Basta che abbia l’opzione per lavorare in manuale.

Cominciamo dal facile facile. Fotografare la Via Lattea. Il gigantesco ammasso stellare che attraversa il cielo da ovest a est, o viceversa. Inutile dirVi che necessitiamo di farlo in un luogo dove l’inquinamento luminoso è basso, se non assente del tutto. Cosa abbastanza difficile dalle nostre parti ma, se facciamo una gita in montagna, siamo già a metà dell’opera. A questo punto non ci tocca che:

Montare la fotocamera sul treppiede.
Regolare gli ISO a 3200.
Scegliere il programma M manuale, così da regolare la velocità di scatto ad almeno 30 secondi. Regolare il self-timer della fotocamera per evitare vibrazioni al momento della scatto.
Se il cielo è terso e pulito, 30” basteranno, altrimenti dobbiamo allungare il tempo fino a 60” utilizzando la funzione bulb e, in questo caso specifico, il telecomando.
Mettere a fuoco manualmente su infinito.

A mio modesto parere introduciamo un elemento di rottura nel paesaggio della cielo, come la silhouette di una collina/montagna, di alberi, o di particolari monumenti come quelli nelle foto d’esempio riportate. Vi raccomando di contenere il tempo di scatto entro i 60-70 secondi, così da limitare il movimento delle stelle. Movimento che utilizzeremo più creativamente alla prossima puntata.

Buona nottata!

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

Et voilà, l’HDR è servito.

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:45:22 GMT

Fin dalla preistoria della fotografia si usa scattare differenti immagini della stessa scena cambiando l’esposizione. Diaframma più o meno aperto, tempo di posa più o meno veloce. Così da garantirsi la certezza di un’esposizione corretta in presenza di forti contrasti.

Questa operazione, chiamata “a forchetta” (braketing), era quasi indispensabile ai tempi della pellicola diapositiva. Ha invece perso smalto con il digitale vista la possibilità di controllare il risultato e correggerlo di conseguenza. Nonché dall’estensione della gamma dinamica attraverso i file raw e i software di post-produzione.

Però l’osservare una situazione di contrasto estremo, riuscendo a rivelare tutti i soggetti posti di fronte, è una prerogativa solo del cervello. E questo l’ho già chiarito in precedenza. Così come ho già accennato alle potenzialità delle fotocamere che hanno in dotazione un software che può evidenziare le zone d’ombra e/o limitare le zone di alte luci.

Ma dobbiamo proprio ricorrere al software della fotocamera? In verità no, esiste un altro sistema, un filo più complicato ma dai risultati entusiasmanti.

Come procediamo? Innanzitutto abbiamo bisogno di un software di post-produzione per HDR. Tipo “Photomatix Pro”. Assodato che ne abbiamo acquistato una copia, non ci resta che scattare più immagini della stessa scena con esposizioni diverse.

Possiamo ricorrere alla “forchetta” automatica selezionandola nel menu della fotocamera. Oppure effettuare le variazioni in modo manuale. Inutile precisare che è meglio variare il tempo di posa che il diaframma. Così da mantenere sempre la stessa profondità di campo. Una diversa profondità tende a generare un’immagine finale sfocata. Un treppiedi o altro supporto stabile è necessario per ottenere immagini perfettamente uguali che poi andranno a sovrapporsi nel software.

Effettuata le riprese e scaricate le foto sul computer, non ci resta che selezionare le immagini a forchetta nel software, il quale provvederà a appiccicarle l’una sopra l’altra, evidenziando tutte le zone, dalle alte luci al buio totale. L’immagine prodotta sarà ancora suscettibile di tutte le correzioni note in altri software di post produzione. E il risultato finale sarà quanto di più simile alla visione del nostro insuperabile cervello.

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

Food: l’arte di fotografare il cibo

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:41:34 GMT

Inizialmente, furono le fotografie per la pubblicità dei prodotti alimentari, assieme alle immagini dei ricettari, a costituire i primi esempi della cosiddetta “Foodphotography”, che ha avuto interpreti fantastici e autorevoli. Poi, con l’avvento della rete e il diffondersi dei telefonini dotati di fotocamera, è esplosa la passione di fotografare il cibo: anche per propria memoria, anche per condivisione con amici.

Non è un caso che il cibo sia, per l’appunto, uno dei protagonisti assoluti di social network come Instagram e Pinterest. Quando al ristorante ci viene servita una portata dall’aspetto invitante, oppure quando a casa prepariamo un torta e la decoriamo, ecco che scatta la voglia di fotografare. Ma, soprattutto, il desiderio di mostrare agli altri ciò che ci apprestiamo a gustare o la nostra abilità dietro i fornelli.

Tutti fotografiamo i nostri piatti preferiti, ma non tutti possiamo definirci “foodphotographer”. Come un autentico chef, il foodphotographer deve preparare con cura i propri piatti, scegliendo le decorazioni più “azzeccate” e gli accostamenti più “idonei”, in grado di valorizzare il cibo. Anche una semplice minestra può aspirare alla tavola di un re, se viene presentata come in questa composizione di Riccardo Marcialis: i toni pastello ricordano un bouquet primaverile e il pane sapientemente avvicinato al piatto è quel particolare gustoso che fa venire subito l’acquolina in bocca. Oltre la realtà, a tutti presente, la sua raffigurazione fotografica ha bisogno di qualcosa di proprio: atmosfera, incanto, seduzione e, perché no?, sana invenzione scenica.

Le culture orientali hanno fatto della presentazione del cibo una vera e propria arte. La composizione dei piatti segue regole millenarie di armonia e grazia, perché il cibo va prima di tutto “assaporato con gli occhi”. Dettagli, proporzioni e geometrie devono essere perfette, come mostra la fotografia di Reinhart Wolf, senza ombra di dubbio il più attento cultore della sapienza orientale, che ha declinato nella propria fotografia asciutta, diretta, avvolgente: ben consapevole, che la fotografia è un “esercizio a togliere”. Quando il soggetto è il solo e unico elemento dell’inquadratura, la rappresentazione fotografica raggiunge il cuore e la mente dell’osservatore. Tutto qui, niente altro di più.

C’è poi chi passa con disinvoltura dai fornelli alla macchina fotografica e viceversa. È il caso di Sigrid Verbert, food blogger del seguitissimo “Cavoletto di Bruxelles”, che prepara, scrive e fotografa le sue golose creazioni culinarie. Così come dello chef-fotografo Francesco Tonelli -considerato uno dei migliori fotografi di food a livello internazionale-, che realizza e immortala i suoi capolavori di gusto e d’estetica.

Ora tocca a voi!

Scommettiamo che ci prenderete gusto a realizzare queste fotografie?

Saranno ammesse solo fotografie di cibo nel piatto: prima di assaporarlo . Naturalmente, siete liberi di sbizzarrirvi nel creare still life gastronomici con oggetti di complemento e cibo posto anche fuori dal piatto a mo’ di decorazione. L’importante è che il soggetto principale della composizione resti il cibo-soggetto nel suo piatto.

Appuntamento al buio

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:37:31 GMT

Grazie alle splendide giornate estive, facilmente ci si attarda fuori la sera. Aumenta così la possibilità di fotografare di notte. Essendo una eventualità estemporanea, che può capitare in qualsiasi momento, raramente saremo organizzati in modo specifico per la fotografia notturna, ma cosa veramente ci occorre?

Un treppiede sarebbe l’ideale, ma proprio per la casualità del fatto, è raro che ne abbiamo uno in tasca. Ma non per questo dobbiamo perdere una splendida occasione. E poi, ci sono altri modi per sopperire al necessario fermo immagine.

Cominciamo per gradi. Selezioniamo la modalità manuale o priorità dei tempi o diaframmi. Così da avere un controllo maggiore sul risultato finale.

In queste tre modalità, toccherà a noi scegliere gli ISO. Come già detto nelle tip precedenti, incrementare il valore degli ISO, per la scarsità di luce presente, porta ad un sensibile peggioramento della qualità dell’immagine finale. Indi, la cosa migliore è scegliere un ISO basso e intervenire sul tempo di scatto. Cosa che la modalità automatica di fotografia notturna non fa.

Ricordiamoci che una buona immagine serale/notturna è data principalmente dal raccogliere la luce ambiente. Ricreare l’atmosfera luminosa che ci ha affascinato. Altrimenti perché avremmo mai dovuto notare un posto invece di un altro?

Come raccogliere la tenue luce ambiente? Facile, agendo su un lungo tempo di scatto. Da qui la necessità di tenere la fotocamera ben ferma. Non avendo il treppiede, la poggeremo su ciò che abbiamo di più fermo alla nostra portata. Dal pavimento della strada al tetto di un’automobile, da una panchina ad un corrimano, una borsa o un muro.

Un semplice espediente che sostituisce il più versatile treppiede ma garantisce alla nostra fotocamera un’adeguato sostegno.

White Balance su:

- automatico se ci sono luci miste presenti

- nuvoloso se vogliamo enfatizzare i colori caldi, giallo arancio

- incandescente se vogliamo rendere le luci artificiali più bianche possibili

Ovviamente, se fotografiamo in RAW, il WB può anche essere corretto a computer. Con il JPG, dobbiamo decidere prima.

Non dimentichiamoci di privilegiare un diaframma chiuso se vogliamo godere di un’adeguata profondità di campo, così come di uno aperto se invece vogliamo una accentuata sfocatura. A questo punto, trovato il punto fermo dove poggiare la fotocamera, effettuata l’inquadratura e l’esposizione più prossima, non ci resta che selezionare la modalità di scatto ritardata, meglio conosciuta come autoscatto. Ricordiamoci che anche se poggiata sul calcestruzzo, muoveremo la fotocamera nel momento in cui pigiamo il pulsante di scatto.

A scatto avvenuto, riguardiamo l’immagine ottenuta ed effettuiamo le eventuali correzioni di sovra-sotto esposizione fino ad ottenere il miglior risultato possibile. Ricordiamoci che le zone di alte luci sono meno correggibili a computer delle zone scure.

Buona notturna!!

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

Allen Ginsberg… fotografo

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:33:47 GMT

Negli ultimi anni della sua vita, Allen Ginsberg, il poeta della Beat generation, morto il 5 aprile 1997, a settant’anni, aveva dato risalto a una attività creativa diversa dalla poesia, che lo ha reso celebre in tutto il mondo: amava definirsi fotografo, piuttosto che poeta.

Si racconta che tutto cominciò nel 1985, quando Allen Ginsberg, con l’aiuto di Robert Frank (celebrato fotografo contemporaneo), fece stampare tutte le istantanee che, nel corso della sua vita, aveva scattato in modo apparentemente disordinato al suo soggetto preferito: i suoi amici. Ovverosia, per decenni, Allen Ginsberg ha fotografato la vita quotidiana degli esponenti di spicco di quella controcultura americana che ha esportato le proprie riflessioni in tutto il mondo. Seppure a fatica, e soprattutto per merito del prezioso lavoro di diffusione promosso dalla compianta Fernanda Pivano (mancata nell’agosto 2009), da sempre vicina alla letteratura statunitense del dopoguerra, l’onda di quella ribellione culturale ed esistenziale arrivò anche in Italia, dove cominciò la propria penetrazione a partire dai movimenti giovanili degli anni Sessanta e Settanta.

Ricorda la stessa Fernanda Pivano (in C’era una volta un Beat; Arcana Editrice, Roma 1976): «Era difficile capire allora che quei poeti erano voci della Sinistra, voci antifasciste, anticapitaliste: erano poeti e letterati che annunciavano l’unica e possibile via della politica, quella della partecipazione, annunciavano per strane, magiche e sotterranee relazioni storiche quello che fu il tentativo della Rivoluzione Culturale, cioè annunciavano la necessità e la possibilità di un tentativo globale di comunicazione pubblica».

“Fotoricordo”: il valore delle fotografie di Allen Ginsberg sta proprio nel loro potere di evocazione, che è poi anche il fine più comune per il quale la fotografia viene generalmente utilizzata e apprezzata da milioni di persone. Queste immagini sono state raccolte nel 1990 dalla casa editrice Twelvetrees, che ha pubblicato un prezioso volume dal titolo diretto Allen Ginsberg Photographs: fotografie che fissano e congelano un momento della storia recente di grande sperimentazione, culturale e politica, di idee e linguaggi.

Autoritratto triplo di Allen Ginsberg: «Spiandomi nello specchio di un Hotel, seconda notte in Unione Sovietica, col pigiama, dopo essermi lavato i denti, pronto a dormire, dopo un lungo viaggio in aereo New York-Stoccolma-Mosca-Vilnius, con Arthur e Inge Miller e la delegazione di scrittori americani diretti all’Unione degli scrittori sovietici; 18-11-1985».

MAURIZIO REBUZZINI Editore e direttore di FOTOgraphia, mensile di riflessione fotografica (dal maggio 1994), e del collegato sito Internetwww.FOTOgraphiaONLINE.it(dall’ottobre 2010).

Docente a contratto di Storia della Fotografia alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università Cattolica del Sacro Cuore, sede di Brescia.

Curatore della sezione di storia degli apparecchi fotografici al Museo Nazionale Alinari della Fotografia, di Firenze (Mnaf).

L’agguato

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:31:28 GMT

Ci sono volte che vediamo materializzarsi delle immagini davanti a noi e vorremmo coglierle, ma non riusciamo nell’intento. Eppure, sembra così facile. È lì davanti a noi, l’occhio lo vede ma la fotocamera non l’immortala.

Quel carpe phôs…cogli l’attimo sembra impossibile. Eppure, per molte immagini basta solo armarsi di santa pazienza e, soprattutto, applicare la vecchia tecnica dell’agguato.

Ebbene si, proprio di questo si parla oggi. Attendere che il soggetto da noi desiderato si muova all’interno della visione dell’obiettivo. E, con la dovuta combinazione diaframma/tempo di scatto, il gioco è fatto.

Un paio di esempi semplici semplici. Quante volte avremo visto dei delfini saltare sulla prua del traghetto per la Sardegna, della nave da crociera o della barca a vela?

Chiaramente, i delfini non posano per noi…ma fanno di più…si comportano con naturalezza. Fanno ciò che sanno fare, nuotano e surfaggiano sulle onde.

Come immortalare i delfini?

Innanzitutto scegliamo un tempo veloce, almeno 1/500 di secondo. Diaframma di conseguenza. Se desideriamo un minimo di profondità di campo, e non l’abbiamo immediatamente disponibile, incrementiamo gli ISO per recuperare un diaframma ragionevole. Selezioniamo lo scatto in sequenza, , perché non sappiamo quando gli eleganti mammiferi decideranno di mostrarsi, e puntiamo la fotocamera sulla superficie dell’acqua. Generalmente, i delfini nuotano appena sotto di essa, e all’improvviso saltano. È qui che applicheremo pazientemente l’agguato. Sappiamo che devono saltare. Per divertirsi e per respirare. Inizieremo a scattare quando sono ancora sotto la superficie, sperando di cogliere l’attimo giusto. Quel brevissimo istante del salto.

L’altro esempio parla di una soluzione più “pilotabile”. L’agguato stavolta è concepito come una vera trappola. Attirare i colibrì, matti per l’acqua zuccherina, così da immortalarne il volo.

A scelta velocità di scatto, compresa tra 1/200, se vogliamo percepire il vibrare delle ali (la mia posa preferita), fino a oltre 1/1000 se desideriamo un gesto più “plastico”. Diaframma di conseguenza. Scatto multiplo o anche singolo. Importantissima la messa a fuoco che dovrà essere manuale e pre-impostata su dove pensiamo che si andrà a posare il colibrì.

Come vedete, fotograficamente parlando, per tutto c’è un trucco.

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

6 domande ad un fotoblogger: Samuele Silva

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:27:22 GMT

1. Ti presenti in poche righe? Mi chiamo Silva, Samuele Silva.Faccio foto, vedo gente, dormo poco. Soprattutto dormo poco. Non mi definisco fotografo ma appassionato di fotografia. E volontariamente butto, anzi vomito, questa passione nel mio photoblog. Tutti i giorni. Perchè come diceva un certo Avedon: “And if a day goes by without my doing something related to photography, it’s as though I’ve neglected something essential to my existence, as though I had forgotten to wake up“.

2. Che cosa ti piace fotografare? Se nella domanda il verbo fosse ‘piacerebbe‘ potrei fare un elenco di circa 1000 elementi. Ma invece c’è un ‘mi piace‘ e quindi ti dico che adoro fotografare le persone e le nuvole. Non sono un fanatico della foto costruita a tavolino e quindi mi limito a fotografare il reale per poi modificarlo a mio piacimento: perché io intendo la fotografia come una via di mezzo, un giusto mix, fra scena reale e personale visione artistica.

3. Perché hai scelto proprio la fotografia come mezzo di comunicazione? Perché 20 anni fa mi sono ritrovato per le mani una Zenit 122. Era durissima, difficile, a pellicola e completamente manuale, anzi, semiautomatica, un modo gentile per non dover scrivere manuale. L’aveva comprata mio padre per 10mila lire in una bancarella di russi in fuga nel bel paese dopo la caduta del muro di Berlino. E da quel giorno non ho più smesso.

4. Quali sono i tuoi maestri della fotografia preferiti? Ho osservato con attenzione le foto dei maestri del passato e infine ho smesso di guardarle. Il mondo cambia e la fotografia anche. Preferisco ammirare ed imparare dalla passione degli amatori di oggi: sono tantissimi e fare un elenco diventerebbe davvero complicato. E’ da ognuno di loro che oggi possiamo imparare qualcosa.

5. Qual è la foto che avresti voluto scattare tu? Potrei rispondere con nomi di autori celebri e di fotografie che hanno cambiato la storia di quest’arte (se così possiamo definirla oggi). Ma se proprio devo essere sincero (e credo di doverlo essere) mi sarebbe piaciuto essere il fotografo del calendario di Max di Sabrina Ferilli (2000): il più venduto di sempre. E quindi in un posto esotico, al caldo, con almeno 20 persone ad assistermi e con una donna come Sabrina Ferilli (nuda) davanti.

6. Un consiglio per realizzare foto di buona qualità? La passione. Senza passione non si va da nessuna parte: ci vuole la voglia di alzarsi alle 5 del mattino, di percorrere centinaia di miglia, di scattare foto nei momenti più impensabili. E ovviamente una buona macchina fotografica: che tutti i fotografi (o presunti tali) dicono che non serve l’attrezzatura per fotografare ma che ci vogliono cuore e cervello. E poi hanno l’ultimo modello da centinaia di miliardi di pixel e almeno 4 obbiettivi con la linea rossa e le stellette dorate.

SAMUELE SILVA

Il suo interesse per la fotografia è iniziato a germogliare a metà degli anni ’90, prima come semplice hobby da foto ricordo, poi (in punta di piedi) il seme della passione lo ha contagiato; il suo è samuelesilva.net

Alto contrasto

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:22:29 GMT

Uno degli errori più comuni dei fotografi è credere che la fotocamera possa immortalare la scena così come la vedono i nostri occhi.

Normalmente una scena è composta da zone di luce e di ombra, il noto contrasto. Il cervello elabora le informazioni davanti ai nostri occhi permettendoci di vedere nel dettaglio tutte le zone. Se per esempio osserviamo qualcuno posto sotto un’ombrellone in spiaggia, il cervello visualizza contemporaneamente sia la spiaggia assolata che la persona in ombra. La fotocamera invece, se osserva l’ombra, sovraespone la spiaggia facendola apparire bianca come neve. Se invece osserva la parte al sole, sottoespone l’ombra rendendola molto più scura del reale.

La differenza di luci e ombre si chiama gamma dinamica (DR,Dynamic Range). Il nostro occhio ha una gamma molto più ampia della fotocamera. Sia analogica che digitale. Per la cronaca, la pellicola negativa a colori ha una gamma dinamica più ampia della diapositiva. Il sensore digitale invece, che non si può cambiare come una pellicola, ha una gamma dinamica predefinita dal costruttore.

Come potete immaginare estendere la gamma dinamica, leggendo le alte e le basse luci in contemporanea, è il cruccio di chi progetta le fotocamere ma soprattutto il sogno di tutti i fotografi.

Al momento esistono due metodi per estendere la gamma. Il primo è quello di riprendere la stessa scena in modo bracketing, cioè diverse foto identiche, almeno cinque, con differente esposizione. Passando da una foto sovraesposta di due stop fino alla quinta sottoesposta di due stop. Fondiamo le 5 immagini insieme attraverso un software che gestisce la gamma dinamica, da qui in poi chiamata HDR, cioè Alta Gamma Dinamica (High Dynamic Range). E il gioco è fatto. Attenzione però, le immagini devono essere rigorosamente uguali come inquadratura. Indi necessiteremo di un treppiede per effettuare i cinque scatti.

Il secondo metodo per estendere la gamma dinamica è insito nelle fotocamere Sony con il nome di DRO, Ottimizzatore Gamma Dinamica. Nel menu trovate la voce DRO che apre ad un sottomenu con diverse scelte. Si va dall’ottimizzazione automatica, a quella a scelta del fotografo con diversi valori chiamati Lv, Light value, da 1 a 5. In poche parole è come se impostassimo una sorta di bracketing che può leggere una differenza di luminosità di 1 stop o più, fino a 5. Il bracketing è però solo teorico, lo scatto sarà uno solo e incorporerà sia le informazioni delle alte luci che delle basse. Ovviamente secondo l’impostazione Lv decisa a monte.

Vi sembra difficile? È un gioco da ragazzi. Date un’occhiata alle foto e capirete in un attimo come il DRO rende l’immagine più fedele alla realtà, mantenendo inalterato il concetto base della fotografia: “scrivere con la luce”.

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria

Le fate di Cottingley

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:14:58 GMT

Nel 1916, la fotografia Una fata offre fiori a Iris, delle cuginette Elsie Wright (1901-1988) e Frances Griffiths (1907-1986), di sedici e dieci anni, sollecitò dibattiti sull’esistenza degli esseri soprannaturali che sostenevano di incontrare nelle loro passeggiate. Al momento di sviluppare la pellicola, esposta con la macchina fotografica del padre di Elsie, la famiglia constata con stupore la presenza delle fate nell’inquadratura. Ne fu coinvolto addirittura lo scrittore inventore di Sherlock Holmes, sir Arthur Conan Doyle, esperto di fotografia e appassionato di spiritismo, che si entusiasmò immediatamente per queste immagini [a margine, segnaliamo che è stata pubblicata una raccolta di testi che sir Arthur Conan Doyle ha scritto per una rivista fotografica dei propri tempi: Essays on Photography, Martin Secker & Warburg Ltd, 1982].

Convinto della loro autenticità e sostenuto da una lunga indagine, sir Arthur Conan Doyle fa pubblicare le fotografie, provocando un effetto tale da far assumere rilevanza nazionale alle fate di Cottingley. La polemica durerà per diversi decenni.

All’età di ottantatré anni, Elsie dichiara che lei e la cugina avevano costruito le fate con figure ritagliate da un libro: ed è ovvio! Invece, Frances non confermerà mai la dichiarazione della cugina e rimarrà fedele alla propria versione fino alla fine dei suoi giorni.

La vicenda è evocata nel film Fairy Tale: A True Story, di Charles Sturridge (Gran Bretagna e Usa, 1997), tradotto nell’italiano Favole, con Peter O’Toole, nei panni di sir Arthur Conan Doyle, e Harvey Keitel, in quelli di Harry Houdini, inserito nella storia per motivi -diciamo così- cinematografici.

Una fata offre fiori a Iris, fotografia del 1916 delle cugine Elsie Wright e Frances Griffiths, di sedici e dieci anni. In Inghilterra, ai propri tempi, le (presunte) fate di Cottingley assunsero rilevanza nazionale.

MAURIZIO REBUZZINI Editore e direttore di FOTOgraphia, mensile di riflessione fotografica (dal maggio 1994), e del collegato sito Internet www.FOTOgraphiaONLINE.it (dall’ottobre 2010).

Docente a contratto di Storia della Fotografia alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università Cattolica del Sacro Cuore, sede di Brescia.

Curatore della sezione di storia degli apparecchi fotografici al Museo Nazionale Alinari della Fotografia, di Firenze (Mnaf).

Mosso, ma non troppo…

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:07:01 GMT

…anzi quel tanto che basta…per realizzare qualcosa di creativo.

Quante volte vi sarete lamentati di una fotografia venuta mossa?

Io, un’immagine mossa, la creo di proposito. È una domanda che mi pongo di continuo: “come rendere il movimento dei soggetti di fronte alla mia fotocamera, reale e fotogenico?”. Sto parlando chiaramente di movimento creativo. Quello che rende merito all’azione di un soggetto, riproponendolo in fotografia come fosse vivo, quasi un filmato.

Nulla a che vedere con le immagini dove un soggetto si muove in modo scomposto, non prefissato, e risulta anti-estetico nell’immagine.

Analizziamo in questa tip il sistema più semplice…quello in esterni, con luce ambiente e abbondante.

Intanto teniamo in conto che per fare una buona “immagine mossa” serve un certo allenamento, e comunque sono tante quelle che non riescono come vorremmo. Con una percentuale di scarto abbastanza alta. Questo perché il soggetto non posa per noi, indi le espressioni colte possono essere poco gradevoli. E poi perché il movimento colto, che vuol dire congelato, non mantiene alcuna eleganza e fluidità.

Ma come dice sempre qualcuno: ”Questo è il bello del digitale. Cancella che ti passa”.

Consideriamo un soggetto che ha una velocità media o bassa, tipo uno che corre, una processione, ecc. Per questi sceglieremo un tempo di scatto mediamente lento. Intorno al 1/30 di secondo, o più lento. Per far questo, o operiamo in manuale o in automatico a priorità dei tempi. Poi decidiamo se vogliamo fare uno scatto singolo, o più in sequenza, nel qual caso sceglieremo la funzione ripresa continua nel menu.

Pronti allo scatto, analizziamo per un attimo il soggetto.

1- Si muove in un contesto ben definito, che risulta importante mostrare, lasciandolo fermo e dettagliato?

2- Il contesto non è determinante. Meglio seguire il soggetto nella sua azione?

Nel primo caso, è importante tenere la fotocamera ben salda, su un treppiedi o poggiato su qualcosa, per evitare il nostro tremolio (ricordiamoci che stiamo scattando con un tempo lento). Nel secondo, utilizzeremo la tecnica denominata panning. Quando appunto si segue il soggetto in continuo. Come avviene lungo la pista nella gara dei 100 metri piani con la videocamera che scorre su una rotaia. Noi la rotaia non l’abbiamo, e comunque non facciamo un film, ma una fotografia o sequenza di fotografie. Faremo il panning muovendoci o lungo il percorso (movimento meno armonico) o ruotando il tronco (più armonico), mantenendo sempre il soggetto nell’inquadratura scelta (regola dei terzi o qualsivoglia).

A questo punto non ci resta che scattare e scattare…e selezionare le migliori.

Date un’occhiata agli esempi per chiarirVi meglio la tecnica.

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

6 domande ad un fotoblogger: Palmasco

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 10:02:01 GMT

1. Ti presenti in poche righe? Come mestiere fotografo soprattutto impianti industriali e faccio ritratti aziendali di corporations con uffici a Milano. Nonostante sia il mio mestiere, non m’è passata la voglia di fare fotografie per piacere, per interesse, per voglia.

2. Che cosa ti piace fotografare? Non saprei dire cosa davvero mi piaccia fotografare. Quello che mi muove è sempre la luce. Se c’è una luce interessante (del resto fotografia alla fine significa scrittura con la luce) trovo un soggetto nei pressi. Paesaggi, urbani e naturali, e persone. Se guardi il mio Flickr è pieno di foto a New York, dove tutto ti muove, le luci, i paesaggi, le persone.

3. Perché hai scelto proprio la fotografia come mezzo di comunicazione? Da bambino avevo una grande terrazza e mi avevano regalato una Kodak Instamatic, col rullino a cartuccia per facilitare la carica. La terrazza era sempre vuota, la Kodak sempre piena, così per passare il tempo la usavo. In pratica ho continuato così – anche se sono cambiati i mezzi e le terrazze.

4. Quali sono i tuoi maestri della fotografia preferiti? Avedon, William Klein e Diane Arbus su tutti, guarda caso tutti e tre ebrei di New York, anche se ovviamente è una considerazione a posteriori. Ma non voglio dimenticare Annie Leibovitz, la sua straordinaria capacità di creare immagini. Tra gli italiani Mimmo Jodice e Gabriele Basilico. Menzione speciale per Nan Goldin. Ma mi piacerebbe stare qui a parlarne per ore

5. Qual è la foto che avresti voluto scattare tu? Ahahahah difficilissimo. Forse la foto di Gabrielle Chanel, fatta da Avedon nel 1958. Un misto di rispetto, ironia e straordinario humour che per me ne fanno un capolavoro raro.

6. Un consiglio per realizzare foto di buona qualità? Guardare le foto dei maestri in modo acuto, ovvero cercando di capire senza pregiudizi e falsi estetismi cosa ci attira davvero in quelle foto. E poi trasportare i principi che ci sembra di avere isolato nelle nostre foto. E tagliare, tagliare, tagliare, anche per un niente, finché le cose vengono come dovrebbero. E spendere per le lenti.

PALMASCO

Palmasco è un fotografo ormai da vent’anni. Lavora nel settore corporate e in quello degli impianti industriali. In privato fotografa in bn, paesaggi naturali e urbani. Ha realizzato alcune mostre a Milano dove vive.

Foto di pm10

Carpe phôs… Cogli la foto…

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:55:59 GMT

Più la tecnica o la testa? La scienza o il talento?

Permettetemi di spostare il discorso dalla tecnica alla filosofia.

La fotografia è una forma d’arte. Questo è assodato. Tutto, o quasi, possiamo migliorare della tecnica fotografica. Ovviamente applicandoci. Studiando il manuale per esempio. Leggendo riviste, libri, frequentando corsi, blog on line. Una miriade di opportunità.

Ma l’occhio, il talento creativo, è qualcosa che è innato in noi. Se lo si possiede, si può affinare, migliorare, rendere esplosivo. Se no, al massimo si copia. E pure malamente.

La tecnologia digitale ha massimizzato un vecchio adagio, carpe diem…o carpe foto come dico io. La tecnica sul campo resta pressoché la stessa, ma l’incognita della pellicola rendeva l’attimo (diem, appunto)…più complesso. Questo almeno a chi non aveva molta dimestichezza. La pronta visione del digitale permette il controllo dei risultati sul campo e l’eventuale correzione istantanea. Sempre che la tecnica in nostro possesso ci permetta di capire cosa dobbiamo fare per migliorare.

Ma non sarà semplicemente navigando tra i menu e i sotto-menu della nostra fotocamera che faremo una buona fotografia. Anche se poi veniamo sommersi dai giudizi entusiasti dei nostri social-amici che cliccano “like” a più non posso.

Una buona fotografia è un sapiente (talvolta imponderabile) miscuglio di senso estetico, previsione, fortuna, e tecnica.

Il senso estetico, che varia da persona a persona (fermo restando alcune valide regole di composizione), è la personale espressione del talento visuale.

Per previsione s’intende il saper interpretare in anticipo gli eventi così da essere al posto giusto al momento giusto, e con l’ottica già puntata sul soggetto a divenire.

La fortuna è quell’essenza che ci permette, che il momento giusto coincida col posto giusto, che l’attesa non sia troppo lunga, né vana..

La tecnica…beh…senza la quale estetica, preveggenza e fortuna, finiscono per essere sovra o sotto esposti, fuori fuoco, troppo mossi, e così via.

Dove voglio portarvi? Semplicemente al discorso più antico della fotografia…essa è un esercizio di pazienza e perseveranza. Virtù necessarie ad infilare in un sol…click…gli ingredienti elencati prima. Non sto dicendo che per fare uno scatto ci vogliono delle ore o una gran botta di…ma la fortuna non serve se non sappiamo cercare il posto giusto. Quando arriva l’occasione buona, non è con la fortuna che si realizza una foto tecnicamente perfetta se non conosciamo gli elementari rudimenti della tecnica applicati alla nostra fotocamera. Anche se conosciamo al millesimo quando il soggetto buono passerà, è l’idea di composizione estetica che può rendere l’immagine unica.

Vedo, per lavoro e diletto, migliaia di fotografia al mese…la maggior parte sono un’accozzaglia di soggetti che transitano davanti ad un obbiettivo. Si ha la netta sensazione che nessuno sia dietro a guardare il mondo affascinato…il che è assurdo, no?

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

C’era una volta… Breve tip sullo storytelling

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:52:38 GMT

Raccontare una storia con una singola immagine. Che tema difficile che vi è capitato questo mese.

Quasi impossibile starete pensando…ma lasciateVi consigliare da chi lo fa da una vita. Anche se con più immagini in sequenza, legate tra loro, ogni singolo fotogramma ha un suo specifico perché.

Innanzitutto lo “storytelling” è una delle branche più affascinanti della fotografia. E questo già dovrebbe attirare la vostra attenzione.

Oltre la bellezza tecnica dell’immagine, c’è tutto un contesto di contorno che ne attesta la ricchezza informativa. Perché lo storytelling è, innanzitutto, informazione. Visto che l’informazione può provenire da qualsiasi sponda, non deve essere per forza legata ad una notizia, ma può raccontare un modo di fare, di essere, di vivere, di qualcuno. Sia esso persona, animale, vegetale o altro.

Anzi, proprio nel documentare la vita vissuta da un qualunque soggetto, lo storytelling è diventato racconto, storia, aneddoto. Affrancandosi definitivamente dal concetto di notizia di cronaca.

Cosa deve contenere un’immagine per considerarsi “storytelling”?

Innanzitutto ci deve essere un soggetto. Sia esso umano, animale, vegetale o altro. Singolo o multiplo. È intorno, o a ragione del soggetto, che si racconta una “story”.
Includete più ingredienti visibili, che rafforzino il racconto, ma che non distraggano né confondano. Devono essere la punteggiatura del racconto…non coprirlo.
Giocate con i contrasti. Aiuta ad evidenziare il soggetto.
La messa a fuoco è un punto critico. Gli sfocati creativi possono far scomparire parte del racconto…curate una profondità di campo che metta in risalto tutti gli ingredienti, o comunque li rende abbastanza visibili. Non confusi.
Non vi fermate alla prima inquadratura…muovetevi intorno alla “story” trovando da quale angolazione si racconta meglio. Solo provando, capirete la differenza.
Il mosso creativo è un importante ingrediente per definire cosa fa il soggetto all’interno dell’immagine. Utilizzate un tempo di scatto adeguato a muovere il soggetto se lo necessita. Solo lui, o anche ciò che lo circonda. Sempre senza confondere chi osserverà l’immagine finale.

E che vinca il migliore.

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

Il flash come un pennello

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:46:57 GMT

Analizziamo innanzitutto la ragione per cui usiamo il flash per fotografare.

La naturale risposta è perché l’immagine davanti la nostra fotocamera è troppo scura, e neanche incrementando gli ISO la chiarezza dell’immagine ci guadagna.

A questo punto, se ci immaginiamo la scena, quello che veramente ci manca è un adeguato contrasto tra il soggetto principale e tutto il resto. Qualunque esso sia e anche visto al contrario…cioè soggetto principale più scuro, e scena più chiara.

Indi il flash interviene, innanzitutto su questo aspetto. Contrastare la scena.

Senza calarci in tecnicismi troppo complessi, un flash, sia esso “built-in”, cioè incluso nella fotocamera, che un flash esterno, emettono un lampo di luce che si affievolisce man mano che percorre lo spazio di fronte a se. Un soggetto lontano prende meno luce di uno più prossimo al flash. Per questa ragione, tante volte, restiamo delusi di immagini dove parte dei soggetti sono più scuri degli altri.

Per avere la stessa luce, i soggetti devono essere alla stessa distanza dal flash. Non è una regola inderogabile, anzi, soggetti più scuri amplificano quanto detto poc’anzi sul contrasto della scena rendendo il tutto più interessante. Sempre che non volevamo anche quel soggetto in pari evidenza.

Il flash, poi, è dotato di una potenza limitata. Anche il più potente in assoluto, da solo non può illuminare il palco di un concerto. Quanto ridicolo appare tutto quello sfavillio di flash durante una serata in piazza o allo stadio?

Alcune foto buie, anche col flash non cambiano. Mettiamoci l’anima in pace.

Nel caso dell’esempio del concerto, l’unica soluzione è stare vicini al palco.

Per tutte le altre situazioni, in spazi limitati o grandi spazi con luce ambiente sufficiente, il flash è di grande aiuto. E può essere anche magico. Come il tocco vincente del pittore. Proviamo a capire come dare questa pennellata di luce.

Per far si che il flash non sia quel pugno in faccia che sbianca qualsiasi cosa, dobbiamo intervenire nel menu della fotocamera o del flash stesso. Selezionando la compensazione flash sotto l’icona , possiamo limitare o aumentare la potenza del flash. Di solito, la si limita spostando il cursore verso il “meno”. Un buon - 1, o anche più. Questa è la prima regola. De-potenziare il flash per ammorbidirlo.

La seconda regola, come detto nella tip precedente sull’argomento…usiamo il REAR e la scena risulterà molto più naturale.

Chiaro fin qui? Perfetto!

Adesso, per rendere l’immagine al meglio, dovremmo procedere con impostazione manuale. E avere così il controllo totale della velocità di scatto. Scegliamo un tempo sufficientemente lento per raccogliere la luce ambiente disponibile, e con il flash (depotenziato!!) che colpisce il soggetto principale, il gioco è fatto.

Il flash comunica con la fotocamera e conosce qual è il diaframma impostato. Si regola in automatico su quello (incluso il de-potenziamento) e lampeggia nel momento in cui parte la seconda tendina (REAR). Se il tempo di scatto era adatto all’ambiente, avremo la scena ben impostata e il soggetto principale contrastato a sufficienza.

Non dimenticatevi però che col tempo di scatto lento, la fotocamera si muoverà indi, ho avete la mano ferma o il treppiede, o altro supporto, è di rigore.

E non è finita qui…

MASSIMO BASSANO

Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria.

Sì, è stata costruita. Ma!

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:40:00 GMT

Lo statunitense Joe Rosenthal è un fotografo che ha scritto un importante capitolo di Storia. Ha scattato una delle fotografie epocali del nostro tempo, che appartengono alla memoria collettiva. Fronte orientale della Seconda guerra mondiale, sul Pacifico, il 23 febbraio 1945, gli Stati Uniti conquistano un prezioso territorio: per l’occasione, cinque marine e un medico issano la bandiera stelle-strisce sulla sommità del monte Suribachi, nell’isola di Iwo Jima.

È una fotografia costruita. Quella vera è assolutamente più semplice e informale; ma questa di Joe Rosenthal declina un linguaggio fotografico irrinunciabile, in una composizione visivamente efficace: simbolo della Seconda guerra mondiale e icona per l’eroismo americano (e altro), la fotografia vinse il premio Pulitzer ed è stata riprodotta su francobolli, poster, magliette, oltre ad essere stata elaborata in bronzo per il monumento ai marine sulla collina di Arlington, a Washington.

L’estate 2000, Flags of Our Fathers, biografia dei sei uomini nella fotografia, della quale è coautore il figlio di uno di loro, è arrivato al vertice delle classifiche librarie del New York Times, nella categoria dei saggi. Dal libro, nel 2006, Clint Eastwood ha diretto il film omonimo, che racconta come la fotografia servì per rilanciare una campagna di sottoscrizione per finanziare la guerra (sceneggiatura cinematograficamente più efficace del precedente Il sesto eroe, di Delbert Mann, che nel 1961 raccontò la stessa vicenda, in modo blando: si segnala soltanto l’attore Tony Curtis nei panni del protagonista Ira Hamilton Hayes).

«La fotografia, la fotografia…», sospirava Joe Rosenthal, quando veniva sollecitato al proposito, stanco del continuo trambusto attorno quest’immagine. «Non ho vinto io la guerra. Perdonatemi se vi dico che sono stanco di tutto questo». Poi, rifletteva e raccontava con un sorriso e grande orgoglio di quell’istante congelato quasi sessanta anni fa con un tempo di otturazione di 1/400 di secondo. «Fu una folgorazione [?]. Ricordo ancora la mia emozione, i miei sentimenti di allora. “La bandiera che svetta là su è la mia bandiera”, mi sono detto. Sono cresciuto sventolando bandiere. Avevo sette anni quando le truppe sono ritornate dalla Prima guerra mondiale e le ho viste marciare per la Pennsylvania Avenue».

Fotografia di Joe Rosenthal: 23 febbraio 1945, cinque marine e un medico issano la bandiera statunitense sulla sommità del monte Suribachi, nell’isola di Iwo Jima.

La fotografia della bandiera issata sul monte Suribachi, nell’isola di Iwo Jima, è stata riprodotta in mille maniere e parodiata: a partire dal francobollo statunitense, pubblicato l’11 luglio 1945.

Il film di Clint Eastwood Flags of Our Fathers, del 2006, racconta come la fotografia di Joe Rosenthal sia stata finalizzata a una raccolta di sottoscrizioni di guerra. E anche qualcosa d’altro.

Maurizio Rebuzzini Editore e direttore di FOTOgraphia, mensile di riflessione fotografica (dal maggio 1994), e del collegato sito Internetwww.FOTOgraphiaONLINE.it(dall’ottobre 2010).

Docente a contratto di Storia della Fotografia alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università Cattolica del Sacro Cuore, sede di Brescia.

Curatore della sezione di storia degli apparecchi fotografici al Museo Nazionale Alinari della Fotografia, di Firenze (Mnaf).

Fotografare con l’ombrello: il paesaggio viene meglio con clima avverso

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:32:11 GMT

Landscape…riprendiamo per un attimo il discorso adesso che è il tema del concorso del mese.

Penso che molti di voi scaveranno nei loro hard disk per trovare una fotografia adatta alla sfida…ma volendo produrne una ad hoc, non c’è migliore occasione che fotografare un paesaggio nella varietà climatica di questi giorni.

La migliore delle tip sulla fotografia di paesaggio che vi posso dare è: scegliete una giornata con cattivo tempo.

Chiariamo bene questo punto. Come sempre è una questione di luce. E soprattutto quella, fatto salvo che il paesaggio davanti la fotocamera sia degno di nota. Ma la luce lo può azzerare in un attimo, così come elevarlo al piano di “straordinario”.

Un cielo sereno ha due peculiarità importanti. Una sono i contrasti che si creano per la durezza della luce e le ombre profonde. L’altra viene comunemente chiamata tra gli addetti ai lavori, come fosse una tonalità di colore plausibile, il blu noia.

Attenzione, non voglio dire che il cielo blu indaco non sia fotogenico, ma è sicuramente più interessante quando solcato da nubi. Meglio ancora se esse disegnano una geometria nel cielo. Qualcosa di accattivante. Così che anche la parte alta dell’immagine si fonda con l’elemento base del paesaggio. Perché un paesaggio, è innanzitutto il suolo (landscape, no?) di fronte ai nostri occhi, impreziosito dal gioco di ombre delle nubi. Il cielo è la cornice che, come tutte le cornici, può esaltare il soggetto o renderlo anonimo. Ovviamente possiamo invertire il tutto. Il cielo può essere il paesaggio e una sottile striscia di suolo la cornice.

La cornice giusta possiamo comprarla…per il cielo giusto, ascoltiamo il meteo e, se sfavorevole prendiamo l’ombrello e via, alla ricerca del momento “straordinario”.

Generalmente se conosciamo già il panorama da riprendere, il landscape accattivante, metà del processo è fatto. Ci porteremo sul punto scelto per la ripresa, monteremo il treppiede, la fotocamera con l’obiettivo. E da sotto l’ombrello aspetteremo pazientemente. Cosa? Che la luce faccia capolino dalle nubi…meglio se tra uno scroscio di pioggia e l’altro. Sperando che l’immancabile arcobaleno sia dalla parte giusta. In queste condizioni, ogni orario del giorno sarà fruibile…anche se, alla golden hour, i colori caldi e i riflessi rossastri sulle nubi, renderanno il tutto di una magia unica.

Massimo Bassano Fotografo e giornalista, è specializzato in fotografia documentaria. I suoi reportage sono pubblicati su Il Venerdì de La Repubblica, National Geographic Traveler, e tanti altri nel mondo.

Vestirsi di Fotografia, la moda rinnova l’arte fotografica

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:18:15 GMT

L’eleganza è già una delle caratteristiche in evidenza nei primi esperimenti della nuova arte della fotografia. Come poteva essere diverso. Singoli e famiglie intere ritratte nei loro abiti migliori, per le generazioni a venire. Ed è nel 1856 che Virginia Oldoini, contessa toscana, posa per il fotografo Adolphe Braun nei suoi abiti più eleganti, in una sequenza di centinaia di immagini da far invidia a chiunque per la ricchezza del guardaroba utilizzato. La contessa la possiamo considerare la prima modella della storia…anche se poi, è solo con la nascita delle prime riviste, dopo il 1900, che si comincia a parlare di fotografia di moda vera e propria. Cioè ritrarre capi di abbigliamento e accessori per consigliare modi di vestire.

Si inizia in Francia, con la rivista La mode Practique, seguita a ruota da Vogue, negli Stati Uniti. Ma è con l’uscita di Harper’s Bazaar che la competizione tra riviste spinge all’evolversi della fotografia di moda, con la nascita di un genere a se stante nel mondo della fotografia. Sono i primi del ‘900, la tecnica fotografica si evolve grazie alla “frivolezze” della moda. I fotografi si ingegnano per trovare nuovi modi per mostrare i vestiti (e gli accessori) con sempre maggior fedeltà nei colori e nei dettagli. La fotografia di moda diventa la palestra dove provare tutte le tecniche e, soprattutto, evolvere i sistemi di illuminazione artificiale, di sviluppo e stampa.

Schiere di fotografi che si cimentano su diversi filoni artistici. Chi cede alle lusinghe della tecnica pura, chi cerca l’espressione artistica del soggetto. La moda è dinamismo puro e la fotografia non può che avvantaggiarsene. Ed è forse proprio la moda che permette alla fotografia di passare da mero genere professionale, a forma artistica vera e propria. L’eleganza innata, che si associa al termine moda, è il trampolino di lancio per una fotografia che sia innanzitutto ricercatezza del gesto umano, visibilità del capo, fedeltà dei colori e, allo stesso tempo, dissociazione artistica dal colore. Che non è l’uso del solo bianco e nero, ma anche di luci o filtri con sovra o sotto esposizioni ben marcate. Virtuosismi chimici. Mischiando e invertendo processi di sviluppo. La moda apre ad ogni interpretazione artistica. La fotografia è eleganza, con fantasia.

Il flash, questo sconosciuto

noreplyforum@eu.sony.com — Fri, 21 Dec 2012 09:08:25 GMT

Chi ama il flash nelle fotografie, alzi la mano?

Difficile trovare qualcuno che sia soddisfatto del suo uso. Eppure è un fantastico ausilio per esporre le immagini correttamente in mancanza di luce adeguata. Come luce aggiuntiva per fermare il movimento o bilanciare il contrasto di luci ed ombre che per creare artificiosi contrasti creativi.

Cominciamo dall’ABC. Se usiamo la fotocamera in modalità AUTO, il flash scatterà tutte le volte che sarà ritenuto necessario dalla fotocamera stessa. E scatterà in quel modo che generalmente non ci piace.

In tutte le altre modalità, possiamo intervenire con diverse regolazioni per renderlo più accattivante. Analizziamo le più importanti.

Flash disinserito. Utile soprattutto per fotografare in chiese, musei e altri luoghi dove è vietato.

Flash forzato. Il flash scatta sempre e comunque…almeno fintanto che ci sia batteria sufficiente.

Correzione occhi rossi. Attraverso un pre-lampo vengono attenuati, o completamente eliminati, gli anti-estetici occhi rossi dei soggetti posti di fronte alla fotocamera. Teniamo conto che gli occhi rossi si presentano solo se i soggetti sono esattamente di fronte all’obiettivo e guardano fisso in macchina, col flash diretto addosso. Indi, già posizionandoli diversamente, otteniamo un buon risultato. Ruotando il flash (per chi ha il flash esterno), facendolo rimbalzare su una parete…il problema è risolto.

Il flash scatta automaticamente se la fotocamera ritiene che non ci sia luce sufficiente oppure se il soggetto si trova in controluce. Cioè in ombra rispetto alla luminosità della maggior parte della scena.

Il flash scatta sulla 2ᵃ tendina. In poche parole, il flash emette il lampo un attimo prima che il sensore digitale finisce di fotografare. Al contrario del solito che scatta quando il sensore inizia a fotografare. Questo rende la scena più reale…visto che tra la prima e la seconda tendina la scena prosegue, anche se per una frazione infinitesimale di secondo. Il REAR è importantissimo se fotografiamo una scena in movimento, ovviamente. Dove il soggetto si sposta o, in qualsiasi modo, si muove, danza, gioca a ping pong, ecc.

Compensazione flash. Possiamo regolare la potenza del flash, in più o in meno di ciò che realmente serve. Così da schiarire fortemente o delicatamente la scena.

Questa regolazione, insieme al REAR, sono il tocco magico per rendere il flash un utile ausilio.

Alla prossima tip!